La crítica de Warhol de Blake Gopnik: sexo, religión y superación de Picasso | libros

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TAquí hay tantos momentos warholianos en esta magnífica biografía que es difícil saber por dónde empezar. Hay un momento en que alguien apareció en una fiesta de fábrica vestido como una caja de Brillo. O la costumbre del gran hombre de responder a una rutina "¿Cómo estás?" con un susurro "Estoy bien pero tengo diarrea". O la pesadilla social de que se te pida ver lo inexpugnable sueño, una película de aficionados compuesta por cinco horas de un hombre dormido desnudo. ¿Cómo superar la prueba sin caerse y comenzar a gotear sobre el hombro de Andy? (De hecho, nunca habría sucedido: Warhol odiaba ese contacto físico y podía rechazar a cualquier invitado que hubiera superado la marca).

Es un testimonio de la habilidad de Blake Gopnik que él es capaz de reconocer cuán estúpidas son estas provocaciones al mismo tiempo que enfatiza su importancia histórica para el arte. Vestirse como una caja de Brillo puede considerarse un golpe de estado, pero Gopnik, un crítico veterano y colaborador del New York Times, lo ve como la extensión lógica del gesto de Marcel Duchamp 50 años antes cuando ; exhibió un pissoir de porcelana como arte. Responder el saludo estándar de una persona con un informe detallado sobre sus heces puede ser infantil, pero también interrumpe descaradamente el discurso sofisticado de un mercado de arte que se capitaliza rápidamente. El hecho de que hoy estemos inclinados a admirar tales anécdotas es una prueba no de la nulidad de Warhol, sino de su persistente ubicuidad. Nos guste o no, todavía vivimos en su mundo. La exhibición de Warhol de esta primavera en Tate Modern es una de las más esperadas en los últimos años.

De todos modos, sería un error dar a entender que el libro de Gopnik es un libro que Warhol podría haber escrito él mismo o, de hecho, incluso le gustó mucho. Lejos de ser un producto confeccionado, ensamblado de la basura del complejo científico-industrial, Warhol: una vida de arte es el producto de años de estudiar alrededor de 100,000 documentos originales guardados en el Museo Andy Warhol en Pittsburgh. El artista ha sido un amasador de toda la vida, y la investigación de Gopnik se basa intrincadamente en un viaje florido de diarios de compromiso, cartas comerciales, notas de amor, boletos de teatro y declaraciones de ingresos. Para ayudar al lector a realizar un seguimiento de casi 1,000 páginas, cada capítulo comienza con precisión práctica en la línea de "compañeros de clase y maestros"; "Una dosis de fracaso"; "Revestimiento de ventanas". Es un toque encantador y anticuado.

Warhol retrato de Muhammad Ali, 1977.



Warhol retrato de Muhammad Ali, 1977. Fotografía: Nils Jorgensen / Rex / Shutterstock

Quizás Gopnik siente la necesidad de proporcionar estas tomas debido a la naturaleza vertiginosa de las afirmaciones que está a punto de hacer. La primera, y la más atrevida, es que Warhol "superó a Picasso como el artista más importante e influyente del siglo XX", llegando incluso a un lugar en "la cumbre del Parnaso, lado de Miguel Ángel y Rembrandt ". Es un gran discurso, pero Gopnik reúne convincentemente su caso en este libro fascinante, que tiene tanta historia del arte y filosofía como biografía. Por ejemplo, en lugar de quedar atrapado en el debate defectuoso sobre si las huellas de Warhol de Marilyn, Jackie y Mao eran arte, diseño, pop, reproducción mecánica o simplemente una mala broma, Gopnik argumenta que sirven para demoler los mismos términos en los que se basa dicha discusión. "En el mejor de los casos, Warhol no pensó fuera de la caja", insiste; "Pensó fuera de cualquier universo artístico cuyas leyes permitirían la existencia de cajas … Warhol siempre quiso hacer que un mundo funcionara donde X y no X fueran ciertas al mismo tiempo".

Gopnik también quiere desalojar a los muchos patos de la privacidad de Warhol. El más pegajoso de estos es el que lo rodea con todo tipo de pliegues y monstruos mientras permanece minuciosamente fuera del combate sexual. Gopnik hurga cuidadosamente en el cesto de la ropa para revelar una amplia evidencia de que Warhol era un jugador entusiasta en la escena gay de Nueva York desde el momento en que se bajó del autobús del Pittsburgh Greyhound en 1949. Además, a pesar de su conciencia de su piel irregular y calvicie, hay mucha evidencia fotográfica y anecdótica de que Warhol tenía un cuerpo perfecto con piernas particularmente buenas y mucho cabello. Si estamos decididos a seguir viendo a Nuestro Andy como un hada y desnaturalizado, sugiere Gopnik, entonces eso dice más sobre nuestra persistente homofobia que no puede soportar contemplar un genio artístico "atrapado en el acto con hombres".

El otro mito del que quiere destacar es que Warhol es profundamente devoto. Mientras que en sus últimos años se acostumbró a entrar en la fabulosa torreta de San Vicente Ferrer en el Upper East Side, Warhol trató a la religión como a todo lo demás, es decir, es decir enteramente en sus propios términos. Evitó la misa porque duró demasiado (cinco minutos, dijo, era suficiente para todos) y evitó confesiones porque estaba convencido de que los sacerdotes lo reconocerían a través del agradecer y cotillear sobre sus pecados (y tal vez decepcionarlo, tal vez, si no lo hicieron). Le gustaba la ropa, los edificios y los accesorios, y no estaba por encima de las salpicaduras de agua bendita en el hogar "como una especie de desinfectante celestial", pero se lo dejó a su madre. , que también era su compañero de cuarto, para mantener al clan Warhola en buena posición con su dios Rusyn-Carpathian.

Las latas de sopa Campbell's en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.



Las latas de sopa Campbell's en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fotografía: Timothy A Clary / AFP / Getty Images

Y luego está la sopa. "Casi todos los recuerdos de los comienzos de Warhol están obstruidos con cajas de sopa", señala Gopnik con cansancio, luego procede a expulsarlos uno por uno. Simplemente no es cierto que Andy se enamoró de la lata roja y blanca de Campbell en su primera infancia, luego se aferró a ella de por vida como un objeto de transición muy ocupado con el que negociar los peligros de vida adulta En Pittsburgh, en el momento de la depresión, nadie era lo suficientemente listo como para comprar platos preparados para la mesa. En cambio, Julia Warhola recolectó agua, sal, pimienta y ketchup (este último fue permitido porque era Heinz, y Heinz era dueño de Pittsburgh) en una aproximación de algo del viejo pais. Incluso cuando la carrera de Andy despegó en Nueva York, Warhola ofreció a los visitantes sopa de pollo cocinada desde cero, en lugar de verterla en una caja.

El verdadero origen de la reunión de Warhol con la sopa Campbell nunca se sabrá. Varios ancianos afirman que fueron ellos quienes llamaron la atención de Andy sobre el potencial de la etiqueta roja y crema con su fuente popular cursiva, incluso proporcionándole ur-can, que de donde derivan todos los demás. Pero lo que realmente importa no es de dónde sacó Warhol la sopa, sino lo que estaba tratando de hacer. La respuesta resulta ser nada menos que la destrucción del modo de pintura que prevalecía en ese momento, el expresionismo abstracto, que había reinado desde la Segunda Guerra Mundial. Sabía que no podía hundirse como De Kooning o caer como Pollock, por lo que, basándose en su década como ilustrador comercial, emprendió la radical tarea de volver al tema l & # 39; s.

Es difícil encontrar la conmoción de 1962 cuando las iteraciones de la sopa Campbell se exhibieron en la Galería Ferus de Los Ángeles (Nueva York no estaba interesada). Pero el efecto acumulativo de sus formas prístinas, su construcción trompe-l'oeil, su reiteración obsesiva (había 32 impresiones, una para cada sabor), banalidad ligera y, sobre todo, su parecido era hacer explotar todo lo que pensábamos, y pensamos, que conocemos el arte.

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